Kahlil Joseph está Desafiando las Representaciones de la Vida Negra en América

Con sus fascinantes cortometrajes e instalaciones, el videoartista y cineasta está emergiendo como una de las voces más originales de su generación.

Kahlil Joseph en casa en Los Ángeles.

Pídale a Kahlil Joseph que hable sobre su convincente y variada creación de imágenes, que ha variado desde un poema sinfónico sobre Compton hasta una evocación cambiante y fragmentada del pasado y el presente de Harlem, e invariablemente cambiará el enfoque a su difunto hermano menor, Noah Davis. En 2012, Davis, un prometedor pintor figurativo, cofundó el Museo Subterráneo de Los Ángeles, con el fin de llevar exposiciones de calidad de museo a sus vecinos del centro de la ciudad. Para cuando murió a los 32 años, de cáncer, en 2015, Davis había sembrado una comunidad de artistas y creativos para quienes el Museo Subterráneo sirve como incubadora y fuerza vital.

José se cuenta entre ellos. También lo hacen los artistas Henry Taylor, Arthur Jafa, Deana Lawson y la actriz y activista Amandla Stenberg. Lo era? en el Museo Subterráneo, donde Barry Jenkins proyectó Moonlight en 2016 y Solange Knowles organizaron una fiesta para escuchar su álbum A Seat at the Table. Y fue allí donde Joseph hizo el gran avance que lo llevó a su carrera como artista. En 2014, era un cineasta en ascenso que había dirigido videos musicales para Flying Lotus y Shabazz Palaces. Pero estaba luchando para lanzar un cortometraje que había hecho, basado en el trabajo que había hecho para Kendrick Lamar que combinaba películas caseras de Lamar con imágenes que Joseph había filmado en Compton. Al principio se resistió cuando Noah sugirió que convirtiera su cortometraje en un video de instalación de dos canales para una muestra grupal que Noah estaba curando en The Underground. Como lo veía, Joseph recordó recientemente, el mundo del arte no era su dominio. «Soy un tipo de imágenes en movimiento.»Pero él estuvo de acuerdo, y la película M. A. A.el éxito de crítica de d. llevó, en rápida sucesión, a exposiciones en el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles, el New Museum de Nueva York y el Museo Tate de Londres. En el medio, Beyonce invitó a Joseph a dirigir su álbum visual, Lemonade. El año pasado, fue uno de los artistas destacados en la exposición principal de la Bienal de Venecia, «Que vivas en tiempos Interesantes.»

Lo que las películas de Joseph comparten en común es su celebración de la vida negra y sus capas visuales atmosféricas. Until the Quiet Comes, una pieza de 2012 que hizo para el músico Flying Lotus, rumia sobre la muerte de dos jóvenes negros. Fly Paper, su película más personal, ambientada en Nueva York, rinde homenaje a las fotografías en blanco y negro del fotógrafo de Harlem Roy DeCarava y al padre de Joseph, Keven Davis, abogado de entretenimiento y deportes, que murió en 2012. La película entrelaza imágenes de Verite filmadas durante visitas al hospital y paseos por la ciudad con escenas elegantemente escenificadas: En una, el actor Ben Vereen sueña despierto en una bañera, completamente vestido.

Joseph creció en Seattle, mudándose a Los Ángeles a los 18 años para estudiar edición de películas. Realizó una pasantía para el artista Doug Aitken y asistió a la fotógrafa Melodie McDaniel, que es miembro de Directors Bureau, una compañía de producción comercial y de videos musicales que también representa a Sofia Coppola y Wes Anderson. «Fueron increíbles para mí, pero me di cuenta de que no iba a llegar muy lejos en ese espacio», dijo. «Fue muy influyente, pero muy blanco. Encontró su «Estrella del Norte» en el artista Arthur Jafa, un director de fotografía que en ese momento buscaba definir su propio lenguaje artístico. «Lo recuerdo usando la referencia de guitarra de Jimi Hendrix, diciendo, ‘Lo que hace a esa nota, la guitarra no está destinada a hacer'», recordó Joseph.»Él dijo,’ ¿Y si una imagen pudiera hacer eso? Y recuerdo ser como, whoa.»

Este año, Joseph, Jafa y Henry Taylor fueron artistas destacados en la Bienal de Venecia. Joseph presentó BLKNWS, un noticiero ambicioso y original en forma de montaje de video de dos canales que combina clips encontrados en Internet con clips de archivo, recién filmados y noticias actuales. Al yuxtaponer imágenes en dos pantallas, colgadas una al lado de la otra, Joseph explora y rediseña las formas en que se transmiten las imágenes de la vida y los logros de los negros. Lo ve como un proyecto en curso: durante el año pasado, BLKNWS se transmitió en el Museo Subterráneo, la Universidad de Stanford y una barbería en Washington, D. C. Joseph espera que pueda llegar a las salas de emergencia de los hospitales y otros espacios públicos.

Su alcance está creciendo rápidamente. En enero, se presentará en la galería David Zwirner de Nueva York, como parte de la muestra más grande hasta la fecha de la obra de Noah Davis, así como en el Festival de Cine de Sundance en Park City, Utah, donde tendrá varias proyecciones. A partir de marzo, tendrá una duración de dos meses en la Academia de Música de Brooklyn y una pantalla en el cercano Weeksville Heritage Center, que se encuentra en el sitio de una temprana comunidad afroamericana libre. Luego se posó en Los Ángeles en junio, apareciendo en lugares de toda la ciudad, incluidos varios negocios de propiedad de negros, como parte de la última edición de la bienal de vigilancia cercana del Museo Hammer, «Made in L. A.»

Joseph es un hombre profundamente privado que rara vez da entrevistas. Pero en una tarde de otoño reciente en Los Ángeles, donde vive con su esposa y productora, Onye Anyanwu, y sus dos hijos, se sentó para una conversación expansiva.

Fotogramas de vídeo, Kahlil Joseph, BLKNWS, noticiero fugitivo de dos canales en curso.

Creo que siempre me han interesado estos momentos cotidianos que nunca veo, punto. La experiencia sentida en contraposición a la vivida. — KAHLIL JOSEPH

Su último trabajo, BLKNWS, es un video de dos canales que muestra clips multimedia, videos musicales y noticias actuales e históricas sobre la cultura negra. ¿Cómo se te ocurrió la idea?

Hace unos cuatro años, estaba teniendo una conversación con mi amigo Ryan Coogler sobre la gente negra en las noticias y lo vergonzoso que suele ser. Recuerdo haber dicho,» Deberíamos hacer las noticias nosotros mismos», casi en broma, pero cuando lo dije, reconocí que era una posibilidad muy real. Y en ese momento se plantó la semilla. ¿Cómo se vería eso si hiciera las noticias? Hablamos de ello, pero luego Pantera Negra le sucedió y se fue a otro mundo. Así que empecé a pensar en ello como un programa de televisión, porque ¿qué otra cosa podría llegar a ser que pudiera manejar? Así que hablé con diferentes redes y esas cosas.

¿Cuál fue la respuesta?

Pensaron que era realmente intrigante, pero finalmente todos lo transmitieron. Era un concepto demasiado alto. Y estaba un poco frustrado porque vi otras cosas que se iluminaban con luz verde. Luego, estaba en una casa de coleccionistas en Nueva York en noviembre de 2017, el día después de la inauguración de mi película Fly Paper en el Nuevo Museo, y estaba hablando por teléfono con una de las redes con las que había estado hablando. Dijeron: «Ningún dinero se va a liberar, bla, bla.»El coleccionista notó que estaba irritado por la llamada y me preguntó al respecto. Dudé en decírselo porque pensé que las ideas en mi mente no estaban «relacionadas con el arte», pero le di el discurso de tres minutos sobre lo que era BLKNWS, y ella dijo: «Eso suena increíble. Si necesitas el dinero, avísame.»Así que empecé a pensar en BLKNWS potencialmente como una obra de arte. Tengo algunas ideas y unos meses más tarde, Ralph Rugoff estaba en la ciudad y quería conocer. En ese momento tuve una pequeña cosa de cinco minutos y él la vio y dijo: «¿Te gustaría estar en la Bienal de Venecia? Si haces de esto una realidad, me encantaría incluirlo.»

¿Cómo encontraste una forma para NAVAJAS BLANCAS?

Investigué mucho sobre el arte contemporáneo, la historia del arte moderno, el periodismo y las noticias. Mi carril es la imagen en movimiento. Algunas de las versiones más poderosas de las imágenes en movimiento son de los medios de comunicación. Vi mucho potencial porque pensé que había muy poca conversación con la historia de la imagen en movimiento. Así que ahora, en la década de 2000, las imágenes en movimiento están en todas partes y la gente es más conocedora de ellas que de pintar y dibujar. Al mismo tiempo, me pregunté, ¿cuáles son las noticias? Como negros, nunca hemos tenido un New York Times, ABC o CNN. Las noticias, como estaba aprendiendo, en el complejo de noticias industriales, son un evento actual o una historia de interés humano o alguna versión de la opinión de alguien. Así que colapsé la historia del arte contemporáneo, que puedes rastrear hasta Duchamp y el conceptualismo y su idea de que cualquier cosa puede ser arte siempre y cuando le des contexto. Yo llamo periodismo conceptual de BLKNWS think creo que cualquier cosa puede ser noticia, dado el contexto. Por eso hay dos pantallas. Las cosas inmediatamente tienen contexto una vez que empiezas a emparejarlas con algo.

Los emparejamientos en BLKNWS son fascinantes e inesperados. ¿Cuáles son sus fuentes? ¿Cómo se usan estratégicamente?

Existe esta falacia de que las noticias son un evento lineal. Hay un fragmento en BLKNWS, una entrevista a Maya Angelou. No puedo decirte a cuánta gente le agarra ese pequeño fragmento de dos minutos con Maya Angelou porque nunca lo han visto. El clip era de 1973, pero se sentía nuevo, como si fuera Ta-Nehisi Coates hablando de reparaciones talking era así de fresco y estaba en YouTube. Así que reconocí el poder de las cosas que ya están ahí fuera. Si vemos una historia o un titular que sea bueno, lo rediseñaremos y lo haremos nativo de un entorno BLKNWS. El espectro de fuentes que recontextualizaremos será desde el periódico o revista local de yoga de Los Ángeles hasta el New York Times. Así que la jerarquía ha sido completamente aplastada.

Vista de instalación de BLKNWS en la 58a Bienal de Venecia, 2019. (Foto cortesía de Luke Lynch.)

Por primera vez se hizo conocido como director de videos musicales con el gran éxito de Until the Quiet Comes, que ganó el Premio Especial del Jurado para cortometrajes en el Festival de Cine de Sundance de 2013. ¿Qué te llevó a trabajar con Kendrick Lamar?

Quería hacer películas y estaba escribiendo y leyendo guiones y recuerdo decirle a mi equipo: «Transmite cualquier cosa que se sienta estereotipada en cualquier nivel en términos del hombre negro. Club de striptease, Compton, gangbang, hip-hop, toda esa mierda. Busca la otra cosa.»Y la siguiente llamada que recibí fue del mánager de Kendrick. Habíamos estado tratando de hacer un video musical juntos y nunca sucedió. Su mánager dijo: «Kendrick está de gira y necesita un director creativo para resolver los efectos visuales. Él nunca ha hecho esto, así que pensamos en ti, «y yo estaba como,» Yo tampoco he hecho esto.»Por supuesto que estaba emocionado, pero era de alto riesgo: Kendrick estaba abriendo para Kanye. Todo lo que sabía era que tenía que ir a Compton y usar lo que encontrara. También tenía su álbum. Conocía la narrativa a la que tenía que responder. Filmé un tríptico que tomaron en la carretera y llevaron a nuevos niveles. Me quedé en el estudio y edité el resto del material durante nueve meses.

Y Kendrick te dio videos caseros familiares para usar?

Su gerente me los dio en una memoria usb, pero no los vi de inmediato porque tenía todas estas imágenes que había filmado en 35 milímetros. Así que estaba sentado en el escritorio y luego, Dios bendiga a mi editor watched lo vio todo y armó esta edición de tres minutos que me hizo pensar, ¡Esto podría ser mejor que toda mi maldita película! ¡Este video de tres minutos que el tío de Kendrick filmó en 1990! Era muy, muy importante para lo que quería hacer. Terminé una edición que era extraña pero de la que estaba muy orgullosa. Kendrick pensó que era realmente increíble, pero ya había pasado al siguiente ciclo de álbumes, por lo que su equipo realmente no sabía qué hacer con esto. Kendrick se estaba convirtiendo en uno de los artistas musicales más importantes de su tiempo y su equipo estaba haciendo todo el trabajo necesario para que él fuera esa persona. Así que yo era el tipo que hizo esta pequeña película rara.

Curiosamente, fue tu hermano, Noah, quien te ayudó a ver que tu película era una obra de arte y te dio el escenario para mostrarla. ¿Puedes hablar del gran avance que se convirtió en M. A. A. D.?

Estaba editando las imágenes en el Metro, que en ese momento ni siquiera estaba abierto como el Metro, era justo donde mi hermano y yo estábamos trabajando. Noah era un genio en muchos niveles y muy inteligente. Intuitivamente se dio cuenta de que si ponía una instalación con la música de Kendrick, junto a obras de Henry Taylor, Ruby Neri y Kandis Williams, iba a ser el espectáculo más interesante de Los Ángeles y lo fue. Pero en el momento en que dijo, «Deberías convertir esto en una instalación de dos pantallas», sentí la mayor derrota porque me hizo pensar, ¿así que ahora es arte? En ese momento, el mundo del arte se sentía como este grupo hiperespecializado de personas que tenían múltiples títulos. Pero pusimos la película en dos pantallas con forma de V. El espectáculo solo estuvo abierto durante un mes, pero fue emocionante ver a la gente responder a él. Cuando estaba llegando a su fin, dije, increíblemente ingenuamente, » ¿Puede un museo tener esto o algo?»Y corten para que Helen aparezca como lo hizo.

Fotograma de vídeo, Kahlil Joseph, Fly Paper, 2017, película de 35 mm y vídeo digital mixto. (Foto cortesía del artista.)

Ella me dijo que estaba impresionada por el M. A. A. D. Regresó directamente a MOCA y lo puso en el programa, lo que resultó en su primera exposición en un museo en solitario.

Y eso lo cambió todo. En un momento, cenamos. Ella dijo :» Si quieres una carrera en el mundo del arte, eso está disponible para ti, pero si no lo haces, no tienes que hacer nada.»Recuerdo ser como, ¿Qué diablos voy a hacer? Lo del museo es por lo que trabajas. Aparte del Metro, ahí es donde empecé.

Creciste en Seattle. Tu padre Keven era un abogado de entretenimiento y deportes que hizo mucho por las hermanas Williams al principio de sus carreras. ¿Qué tan bien los conocías?

Crecí en Seattle, que es el lugar más bonito para crecer, con un padre y una madre que eran increíbles en todos los sentidos. Presente, sano y desafiante. Mi padre conoció a Richard cuando las niñas tenían siete u ocho años. Tengo la misma edad que Serena. Mi padre empezó a trabajar para Richard. Recuerdo que Richard tenía las conversaciones más locas conmigo a una edad temprana. Fue muy profundo y me hizo pensar en las cosas de una manera diferente.

¿Ibas mucho a los partidos de Venus y Serena? ¿Te influyó ver ese tipo de disciplina en niños de tu edad?

Definitivamente estaban en otra categoría. Una vez que se hicieron famosos, no nos sorprendió a Noah y a mí porque siempre fueron únicos para nosotros. A los 14, Venus ya medía como un metro y medio y luego firmó su enorme contrato de Reebok en el que mi padre se pasó toda la vida trabajando. Estábamos emocionados de que mi padre fuera un abogado de un pueblo pequeño de Seattle haciendo esto por estas chicas que estaban resultando ser supericónicas.

Fotograma de vídeo, Kahlil Joseph, BLKNWS, noticiero fugitivo de dos canales en curso.

¿Te mudaste a Los Ángeles para convertirte en cineasta?

Sí. Yo era un chico de 18 años que aprendía sobre la industria a través de una pasantía de montaje de películas. Lo tomé muy rápido y al mismo tiempo , conocí a Malik Sayeed y A. J., que es el mentor de Malik.

¿No compartías, Malik y A. J. un estudio en el mismo edificio del Este de Los Ángeles donde Noah, Thomas Houseago, Aaron Curry y Piero Golia estaban haciendo arte?

Mostré a la gente Hasta que la Tranquilidad llega por primera vez en ese estudio. Y luego, A. J., Malik y yo éramos un grupo, en la medida en que los cineastas pueden ser un grupo. Muchas de las cosas que A. J. terminamos publicando como fine art after Love is the Message, the Message is Death, ideas que fueron trabajadas en nuestro estudio en East L. A. Solíamos pensar que no pertenecemos aquí porque no somos artistas y estamos en este edificio con estos artistas de lujo. Houseago acababa de salir y estábamos en su antiguo estudio. Todo el mundo estaba haciendo esculturas y cosas de arte locas y todos los lavabos estaban tapados y aquí teníamos equipo de filmación. La mierda tiene que estar libre de polvo.

Noah y tú crearon un archivo de fotos familiares negras que obtuvieron en los mercados de pulgas de Los Ángeles. ¿Cómo ocurrió eso?

Estaba trabajando para la fotógrafa Melodie McDaniel y inmersa en la historia de la fotografía. Mi hermano era nuevo en Los Ángeles y estaba empezando a surgir como un lugar muy fresco para que las cosas florecieran. Tyler el Creador y estos chicos que tenían como 17 años estaban haciendo fiestas. Ese estilo de vida era muy despreocupado y recuerdo que Noah y yo estábamos como, «¿Por qué no hay imágenes negras despreocupadas?»Encontré a un tipo vendiendo fotos viejas en el mercadillo de West Hollywood y solo compré las fotos de la familia negra. Si le preguntas a alguien qué ahorrarían si su casa se quemara, casi invariablemente dicen que guardarían sus fotos familiares. Así que aquí estoy mirando todas estas cosas más valiosas que una vez pertenecieron a la gente, que no tienen idea de dónde están. Es una metáfora de la vida negra en Estados Unidos y de lo que le sucede a la familia negra en nuestra historia.

(Desde arriba) Fotogramas de vídeo, Kahlil Joseph, Until the Quiet Comes, 2012, película de 35 mm transferida a HD.

¿Cómo moldeó esa experiencia su sensibilidad como creador de imágenes?

No pude encontrar esas imágenes en ningún otro lugar, ¿verdad? Creo que siempre me han interesado estos momentos cotidianos que no veo nunca, punto. La experiencia sentida en contraposición a la vivida.

¿Fuiste el director original del álbum visual de Beyonce Lemonade, que te trajo un Emmy?y nominación al Grammy a mejor dirección. ¿Cómo surgió ese proyecto?

La conocía profesionalmente desde 2011. Cuando recibí la llamada que llevó a la Limonada, ella estaba pasando por algo, quería tratar de averiguar algo. Desarrollamos Limonada en el Metro y le mostré su M. A. A. D. en una pantalla de TV she aún no la había visto.

Al final, también invitó a otros directores a trabajar en Limonada. ¿Eso te molestó?

Creo que tenía que hacer lo que tenía que hacer. Ya sabes.

Antes de proyectar su porción de limonada en una proyección privada durante Art Basel Suiza en junio de 2016, hizo algo notable para Arthur Jafa. Demostraste que su Amor es el Mensaje, el Mensaje es la Muerte junto con tu propia película para que pudieras ayudar a correr la voz sobre él al mundo del arte.

El amor es el mensaje fue increíble. A. J. tiene un talento único. Así que proyecté su pieza sin una explicación de» esto es mío, esto no es mío». Era solo, » Aquí hay algo nuevo.»No hablé. Me encontré con Gavin Brown en la feria, así que lo invité. Después, Gavin obtuvo mi número y dijo: «Tu pieza estuvo genial. ¿Qué fue lo que mostraste antes de eso?»El resto es historia.

(Desde arriba) Fotogramas de vídeo, Kahlil Joseph, Fly Paper, 2017, película de 35 mm y vídeo digital mixto. (Todas las fotos son cortesía del artista.)

Hiciste dos películas en 2017 Black ¿Black Mary para the?El espectáculo «El alma de una nación» del Museo Tate, y Papel de mosca para su exposición individual debut en Nueva York en el Nuevo Museo. Ambos estuvieron profundamente influenciados por el trabajo de Roy DeCarava, un fotógrafo conocido por sus retratos de músicos de jazz y de la vida de Harlem, que en gran parte fue pasado por alto en el mundo del arte en ese momento.

El Nuevo Museo y la Tate llamaron al mismo tiempo pidiendo nuevas obras. El Nuevo Museo quería algo que me conectara con Nueva York. La única vez que viví en Nueva York fue para cuidar de mi padre. Fue una experiencia muy profunda para mí. Roy DeCarava era otra conexión con Nueva York.

Eres una persona muy privada. ¿Qué te llevó a incluir imágenes de tu familia en Fly Paper?

Había estado trabajando para Terrence Malick mientras mi padre estaba enfermo. Terry me había dado esta cámara para filmar cosas para películas que estaba desarrollando. Normalmente no filmo nada personal, pero estaba en Sloan Kettering con mi padre en sus citas y en Harlem y salía. Cuando volví a Los Ángeles. Le di a Terry mis imágenes y usaron muy poco, así que le oculté todo esto a mi padre y me olvidé de ello. Lo encontré en un disco duro años después cuando estábamos editando Fly Paper. Las imágenes se volvieron centrales.

Su elenco también contó con la legendaria estrella de Broadway Ben Vereen, suegro de Noah.

Fly Paper fue sobre esta idea de una figura paterna, y es como mi padre simbólico. También es de la familia. Acababa de someterse a una cirugía de espalda y apareció el mismo día e hizo su secuencia de baile con Storyboard P y no se quejó. La pieza trataba sobre el mundo del arte de Nueva York que mi hermano me había presentado. Cuando fui a Nueva York por primera vez, solo era el hermano cineasta que me acompañaba. El mundo del arte no era mi mundo. Y entonces, de repente, se derrumbó y ahora estos eran mis colegas, estos eran mis amigos, y fue por mi hermano y mi padre que todo esto estaba sucediendo. Roy DeCarava también era simbólico. Fui muy vocal sobre su influencia. Una de las razones por las que me sentí cómodo incluyendo mis fotos familiares en la película fue porque dos de mis fotos favoritas de Roy son retratos familiares. Nada de escenificaciones sobre esas fotografías. Son fotos familiares que son obras de arte que viven al lado del retrato de Miles Davis. No conozco a ningún otro fotógrafo que pueda hacer eso. Es tan transparente.

(De izquierda a derecha) Sin título de Noah Davis, 2005, cuelga en la oficina central de Joseph. El cineasta en su espacio.

Creo que es similar a la forma en que trabajas en términos de diferentes medios mezclándose entre sí news noticias, películas, videos musicales.todo es una pieza.

En general, es difícil para mí ver distinciones entre cualquier cosa. Para mí, los medios de comunicación están disponibles para mí ahora y necesitan la mayor atención. Recuerdo que hablé con Kara Walker y me dijo: «Deberías leer este libro llamado La Ciudad de las Mujeres .»El libro era asombroso y yo estaba como, esto debería ser utilizable. Esta debería ser la obra de arte. Me han encargado decirles lo que es interesante. Así que ese fue otro elemento de la confluencia de lo que hizo BLKNWS. ¿Cómo transformas toda la investigación en algo? Es una especie de gumbo. Y lo actualizo regularmente.

¿En serio? ¿Lo cambiaste? No conozco a ningún otro artista que haga video o trabajo digital que continúe alterando una obra una vez que la ha completado.

Sí, ha cambiado. Completamente. Cada sitio está conectado en red y controlado de forma remota desde mi estudio. Es inestable. Creo que el arte, en su mejor momento, es inestable.

La creación del Museo Subterráneo, la escultura social de tu hermano, te abrió el mundo del arte a ti y a muchos otros artistas y creativos. ¿Cómo está dando forma a una comunidad más grande?

El Subterráneo es un espacio público tan intenso y el trabajo allí es sobrehumante. Soy esencialmente un custodio en el mejor de los casos. Así que mi familia apoya el Subsuelo, el Subsuelo apoya a la comunidad, la comunidad apoya el Subsuelo. Hay un montón de cosas geniales que se están haciendo ahora mismo, seguro. Es inevitable que haya una explosión de cine negro. Tuvimos una proyección allí la otra noche de Queen y Slim. Lena Waithe la escribió y Melina Matsoukas la dirigió. Melina quería hacer la proyección en el Metro y fue hermoso. Solange hizo la presentación, Puff Daddy tenía un montón de asientos reservados, y David Adjaye estaba allí. Estaba lleno. Y Lena y Melina se pusieron a llorar al presentar su primer largometraje y le dijeron al público: «Hicimos esto para ustedes.»Hablaban de los negros en general, pero también sentí que significaba mucho decirlo simbólicamente en la Clandestinidad.

¿Quieres hacer películas comerciales y de bellas artes?

Veo muy poca distinción entre esas categorías. Miles Davis era una gran estrella del pop, y creo que nunca tuvo que tomar una decisión si estaba haciendo música comercial o la música de jazz más seria que se haya hecho. Creo que el cine tiene un gran potencial que aún no se ha explotado. Hago cosas que quiero ver.

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