Kahlil Joseph défie les Représentations de la Vie noire en Amérique

Avec ses courts métrages et installations captivants, l’artiste vidéo et cinéaste s’impose comme l’une des voix les plus originales de sa génération.

Kahlil Joseph chez lui à Los Angeles.

Demandez à Kahlil Joseph de parler de sa fabrication d’images convaincante et variée – qui va d’un poème sonore sur Compton à une évocation maussade et fragmentée du passé et du présent de Harlem – et il se tournera invariablement vers son défunt frère cadet, Noah Davis. En 2012, Davis, un peintre figuratif prometteur, a cofondé le Musée Underground de Los Angeles, dans le but d’offrir des expositions de qualité muséale à ses voisins du centre-ville. Au moment de sa mort à l’âge de 32 ans, des suites d’un cancer, en 2015, Davis avait semé une communauté d’artistes et de créatifs pour qui le Musée souterrain sert d’incubateur et de force vitalisante.

Joseph se compte parmi eux. Tout comme les artistes Henry Taylor, Arthur Jafa, Deana Lawson et l’actrice et activiste Amandla Stenberg. C’était le cas ? au musée Underground où Barry Jenkins a projeté Moonlight en 2016 et Solange Knowles a organisé une soirée d’écoute pour son album A Seat at the Table. Et c’est là que Joseph a fait la percée qui a conduit à sa carrière d’artiste. En 2014, il était un cinéaste en pleine ascension qui avait réalisé des clips pour des artistes comme Flying Lotus et Shabazz Palaces. Mais il avait du mal à sortir un court métrage qu’il avait fait, basé sur le travail qu’il avait fait pour Kendrick Lamar qui fusionnait des films maison de Lamar avec des images que Joseph avait tournées à Compton. Au début, il a résisté lorsque Noah lui a suggéré de transformer son court métrage en une vidéo d’installation à deux canaux pour une exposition de groupe que Noah organisait à l’Underground. La façon dont il le voyait, se rappelait récemment Joseph, le monde de l’art n’était pas son domaine. « Je suis un gars de l’image en mouvement. »Mais il a accepté, et le film M.A.A.le succès critique de d. a conduit, successivement, à des expositions au Museum of Contemporary Art de Los Angeles, au New Museum de New York et au Tate Museum de Londres. Entre les deux, Beyonce a invité Joseph à réaliser son album visuel, Lemonade. L’année dernière, il était l’un des artistes en vedette de l’exposition principale de la Biennale de Venise, « Puissiez-vous vivre dans des moments intéressants. »

Ce que les films de Joseph ont en commun, c’est leur célébration de la vie noire et leur superposition visuelle atmosphérique. Until the Quiet Comes, une pièce de 2012 qu’il a réalisée pour le musicien Flying Lotus, rumine la mort de deux jeunes hommes noirs. Fly Paper, son film le plus personnel, qui se déroule à New York, rend hommage aux photographies en noir et blanc du photographe de Harlem Roy DeCarava et au père de Joseph, Keven Davis, avocat spécialisé dans le divertissement et le sport, décédé en 2012. Le film entremêle des séquences réelles tournées lors de visites à l’hôpital et de promenades en ville avec des scènes élégamment mises en scène: Dans l’une, l’acteur Ben Vereen rêve dans une baignoire, entièrement vêtu.

Joseph a grandi à Seattle et a déménagé à Los Angeles à 18 ans pour étudier le montage cinématographique. Il a fait un stage pour l’artiste Doug Aitken et a assisté la photographe Melodie McDaniel, qui est membre du Directors Bureau, une société de production commerciale et de vidéoclips qui représente également Sofia Coppola et Wes Anderson. « Ils étaient incroyables pour moi, mais je pouvais dire que je n’allais pas aller très loin dans cet espace », a-t-il déclaré.  » C’était très influent mais très blanc. »Il a trouvé son « Étoile polaire » chez l’artiste Arthur Jafa, un directeur de la photographie qui cherchait à l’époque à définir son propre langage artistique. « Je me souviens qu’il utilisait la référence à la guitare de Jimi Hendrix, disant : « Ce qu’il fait à cette note, la guitare n’est pas destinée à le faire », se souvient Joseph. » Il a dit: « Et si une image pouvait faire ça? »Et je me souviens d’avoir été comme, whoa. »

L’année dernière, Joseph, Jafa et Henry Taylor étaient tous des artistes en vedette à la Biennale de Venise. Joseph a présenté BLKNWS, un journal télévisé ambitieux et original sous la forme d’un montage vidéo à deux canaux qui combine des clips trouvés sur Internet avec des clips d’archives, nouvellement tournés et d’actualité. Juxtaposant des images sur deux écrans, accrochées côte à côte, Joseph explore et réinvente les façons dont les images de la vie et de la réussite des Noirs sont livrées. Il le voit comme un projet en cours: au cours de la dernière année, BLKNWS a été diffusé au Musée souterrain, à l’Université de Stanford et dans un salon de coiffure à Washington, D.C. Joseph espère qu’il pourrait trouver son chemin vers les salles d’urgence des hôpitaux et d’autres espaces publics.

Sa portée augmente rapidement. En janvier, il est présenté à la galerie David Zwirner à New York, dans le cadre de la plus grande exposition à ce jour du travail de Noah Davis, ainsi qu’au Festival du film de Sundance à Park City, Utah, où il aura plusieurs projections. À partir de mars, il se déroulera pendant deux mois à la Brooklyn Academy of Music et sera projeté au centre du patrimoine de Weeksville, situé à proximité, sur le site d’une première communauté afro-américaine libre. Il a ensuite débarqué à Los Angeles en juin, apparaissant dans des lieux à travers la ville, y compris un certain nombre d’entreprises appartenant à des Noirs, dans le cadre de la dernière édition de la biennale étroitement surveillée du Hammer Museum, « Made in L.A. »

Joseph est un homme profondément privé qui donne rarement des interviews. Mais un après-midi d’automne récent à Los Angeles, où il vit avec sa femme et productrice, Onye Anyanwu, et leurs deux enfants, il s’est assis pour une conversation expansive.

Images fixes vidéo, Kahlil Joseph, BLKNWS, journal télévisé fugitif à deux canaux en cours.

Je pense que j’ai toujours été intéressé par ces moments quotidiens que je ne vois tout simplement jamais, point final. L’expérience ressentie par opposition à l’expérience vécue. — KAHLIL JOSEPH

Votre dernier travail, BLKNWS, est une vidéo à deux canaux qui échantillonne des clips médiatiques, des clips musicaux et des nouvelles actuelles et historiques sur la culture noire. Comment avez-vous eu l’idée?

Il y a environ quatre ans, j’avais une conversation avec mon ami Ryan Coogler sur les Noirs aux nouvelles et à quel point c’est habituellement honteux. Je me souviens avoir dit: « Nous devrions juste faire les nouvelles nous-mêmes », presque en plaisantant, mais alors que je l’ai dit, j’ai reconnu que c’était une possibilité très réelle. Et à ce moment-là, la graine a été plantée. À quoi ça ressemblerait si je faisais les nouvelles ? Nous en avons parlé, mais Black Panther est arrivé pour lui et il est entré dans un tout autre monde. J’ai donc commencé à y penser comme une émission de télévision, car qu’est-ce que cela pourrait devenir que je pourrais gérer? J’ai donc parlé à différents réseaux et à d’autres choses.

Quelle a été la réponse?

Ils pensaient que c’était vraiment intrigant mais ils l’ont finalement tous transmis. C’était un concept trop élevé. Et j’étais un peu frustré parce que j’ai vu d’autres choses qu’ils éclairaient au vert. Puis, j’étais chez un collectionneur à New York en novembre 2017, le lendemain de l’ouverture de mon film Fly Paper au Nouveau Musée, et j’étais au téléphone avec l’un des réseaux à qui j’avais parlé. Ils ont dit: « Aucun argent ne va libérer, bla, bla. »Le collectionneur pouvait dire que j’étais irrité par l’appel et elle m’a posé des questions à ce sujet. J’hésitais à lui dire parce que je pensais que les idées dans mon esprit n’étaient pas « liées à l’art », mais je lui ai fait le discours de trois minutes sur ce qu’était BLKNWS, et elle a dit: « Cela semble incroyable. Si vous avez besoin d’argent, faites-le moi savoir. »J’ai donc commencé à penser à BLKNWS potentiellement comme une œuvre d’art. J’ai eu quelques idées ensemble et quelques mois plus tard, Ralph Rugoff était en ville et voulait se rencontrer. À ce moment-là, j’ai eu une petite chose de cinq minutes et il l’a regardée et a dit: « Voulez-vous être à la Biennale de Venise? Si vous faites de cette chose une réalité, j’aimerais l’inclure. »

Comment avez-vous trouvé une forme pour BLKNWS ?

J’ai fait beaucoup de recherches sur l’art contemporain, l’histoire de l’art moderne, le journalisme et l’actualité. Ma voie est l’image en mouvement. Certaines des versions les plus puissantes des images animées sont des médias d’information. J’ai vu beaucoup de potentiel parce que je pensais qu’il y avait très peu de conversation avec l’histoire de l’image en mouvement. Alors maintenant, dans les années 2000, les images en mouvement sont partout et les gens sont plus avertis à leur sujet qu’ils ne le sont en peinture et en dessin. En même temps, je me suis demandé, quelles sont les nouvelles? En tant que noirs, nous n’avons jamais eu de New York Times, ABC ou CNN. Les nouvelles, comme je l’apprenais, dans le complexe de nouvelles industrielles, sont un événement d’actualité ou une histoire d’intérêt humain ou une version de l’opinion de quelqu’un. J’ai donc effondré l’histoire de l’art contemporain, que vous pouvez remonter à Duchamp et au conceptualisme et à son idée que tout peut être de l’art à condition de lui donner un contexte. J’appelle le journalisme conceptuel de BLKNWS anything je pense que tout peut être une nouvelle, compte tenu du contexte. C’est pourquoi il y a deux écrans. Les choses ont immédiatement un contexte une fois que vous commencez à les associer à quelque chose.

Les accords de BLKNWS sont fascinants et inattendus. Quelles sont vos sources ? Comment les utilisez-vous stratégiquement?

Il y a cette erreur que les nouvelles sont un événement linéaire. Il y a un extrait dans BLKNWS, une interview de Maya Angelou. Je ne peux pas vous dire combien de personnes sont saisies par ce petit extrait de deux minutes avec Maya Angelou parce qu’elles ne l’ont jamais vu. Le clip datait de 1973, mais il semblait nouveau, comme si c’était Ta-Nehisi Coates là-haut qui parlait de réparationsit c’était si frais et c’était juste assis sur YouTube. J’ai donc reconnu le pouvoir des choses qui existent déjà. Si nous voyons une histoire ou un titre qui est bon, nous la redessinerons et la rendrons native dans un environnement BLKNWS. Le spectre des sources que nous recontextualiserons ira du journal ou magazine local de yoga de Los Angeles au New York Times. La hiérarchie a donc été complètement aplatie.

Vue d’installation de BLKNWS à la 58e Biennale de Venise, 2019. (Photo gracieuseté de Luke Lynch.)

Vous vous êtes d’abord fait connaître en tant que réalisateur de vidéoclips avec le succès de Until the Quiet Comes, qui a remporté le Prix spécial du Jury pour les courts métrages au Festival du film de Sundance 2013. Qu’est-ce qui vous a amené à travailler avec Kendrick Lamar ?

Je voulais faire des films et j’écrivais et lisais des scripts et je me souviens avoir dit à mon équipe : « Transmettez tout ce qui semble stéréotypé à n’importe quel niveau en termes de mâle noir. Club de strip-tease, Compton, gangbangin, hip-hop, toute cette merde. Cherchez l’autre chose. »Et le prochain appel que j’ai reçu était du manager de Kendrick. Nous avions essayé de faire un clip ensemble et cela ne s’est jamais produit. Son manager a déclaré: « Kendrick est en tournée et il a besoin d’un directeur de création pour trouver des visuels. Il n’a jamais vraiment fait ça, alors nous avons pensé à toi, « et je me suis dit: « Je n’ai jamais fait ça non plus. » Bien sûr, j’étais excité, mais c’était un enjeu important : Kendrick ouvrait pour Kanye. Tout ce que je savais, c’était que je devais aller à Compton et utiliser ce que je trouvais. J’avais aussi son album. Je connaissais le récit auquel je devais répondre. J’ai tourné un triptyque qu’ils ont pris sur la route et ont atteint de nouveaux niveaux. Je suis resté en studio et j’ai monté le reste des images pendant neuf mois.

Et Kendrick vous a donné des vidéos familiales à utiliser?

Son manager me les a donnés sur une clé USB mais je ne les ai pas regardées immédiatement car j’avais toutes ces images que j’avais tournées au 35 millimètres. Donc c’était juste assis sur le bureau et puis, Que Dieu bénisse mon monteurhe il a tout regardé et a monté ce montage de trois minutes qui m’a fait penser, Ça pourrait être mieux que tout mon putain de film! Cette séquence de trois minutes que l’oncle de Kendrick a tournée en 1990! C’était très, très important pour ce que je voulais faire. J’ai terminé un montage bizarre mais dont j’étais vraiment fier. Kendrick pensait que c’était vraiment incroyable, mais il était déjà passé au cycle d’albums suivant, donc son équipe ne savait pas vraiment quoi faire de cette chose. Kendrick devenait l’un des artistes musicaux les plus importants de son temps et son équipe faisait tout le travail nécessaire pour qu’il soit cette personne. Donc j’étais juste ce gars qui a fait ce petit film bizarre.

Fait intéressant, c’est votre frère, Noah, qui vous a aidé à voir que votre film était une œuvre d’art et vous a donné la scène pour le montrer. Pouvez-vous parler de la percée qui est devenue M.A.A.D.?

Je montais les images au Métro, qui à l’époque n’était même pas ouvert comme le Métro, c’était juste là où mon frère et moi travaillions. Noah était un génie à bien des niveaux et tellement averti. Il s’est rendu compte intuitivement que s’il mettait une installation avec la musique de Kendrick, à côté des œuvres de Henry Taylor, Ruby Neri et Kandis Williams, cela allait être le spectacle le plus intéressant de L.A. Et c’était le cas. Mais au moment où il a dit: « Vous devriez en faire une installation à deux écrans », j’ai ressenti la plus grande défaite parce que cela m’a fait réfléchir, Alors maintenant c’est de l’art? À cette époque, le monde de l’art se sentait comme ce groupe hyperspécialisé de personnes qui avaient toutes plusieurs diplômes. Mais nous avons mis le film sur deux écrans en forme de V. Le spectacle n’était ouvert que pendant peut-être un mois, mais c’était excitant de voir les gens y répondre. Alors que cela touchait à sa fin, j’ai dit, d’une naïveté folle: « Un musée peut-il avoir ceci ou quelque chose comme ça? »Et coupe à Helen se présentant comme elle l’a fait.

Photo vidéo, Kahlil Joseph, Fly Paper, 2017, film 35mm et vidéo numérique mixte. (Photo gracieuseté de l’artiste.)

Elle m’a dit qu’elle avait été époustouflée par M.A.A.d. Elle est retournée directement au MOCA et l’a inscrite au programme, ce qui a donné lieu à votre première exposition de musée en solo.

Et cela a tout changé. À un moment donné, nous avons dîné. Elle a dit: « Si vous voulez une carrière dans le monde de l’art, c’est à votre disposition, mais si vous ne le faites pas, vous n’avez rien à faire. »Je me souviens d’avoir dit : Qu’est-ce que je vais faire ? Le truc du musée, c’est ce vers quoi tu travailles. À part le Métro, c’est là que j’ai commencé.

Vous avez grandi à Seattle. Votre père Keven était un avocat spécialisé dans le divertissement et le sport qui a beaucoup fait pour les sœurs Williams au début de leur carrière. Les connaissiez-vous bien ?

J’ai grandi à Seattle, qui est le plus bel endroit pour grandir, avec un père et une mère qui étaient incroyables à tous points de vue. Présent et sain et stimulant. Mon père a rencontré Richard quand les filles avaient sept ou huit ans. J’ai le même âge que Serena. Mon père a commencé à travailler pour Richard. Je me souviens que Richard avait les conversations les plus folles avec moi à un jeune âge. C’était vraiment profond et m’a fait penser aux choses d’une manière différente.

Alliez-vous souvent aux matchs de Venus et Serena? Avez-vous été influencé par ce genre de discipline chez les enfants de votre âge?

Ils étaient définitivement dans une autre catégorie. Une fois qu’ils sont devenus célèbres, ce n’était pas surprenant pour Noah et moi car ils étaient toujours uniques pour nous. À 14 ans, Vénus mesurait déjà six pieds de haut, puis elle a signé son énorme contrat Reebok sur lequel mon père a passé une éternité à travailler. Nous étions ravis que mon père soit cet avocat de la petite ville de Seattle qui fasse ce truc pour ces filles qui s’avéraient supericoniques.

Toujours vidéo, Kahlil Joseph, BLKNWS, journal télévisé fugitif à deux canaux en cours.

Avez-vous déménagé à Los Angeles pour devenir cinéaste?

Ouais. J’étais ce gamin de 18 ans qui apprenait à connaître l’industrie grâce à un stage de montage de films. J’y suis allé très vite et en même temps, j’ai rencontré Malik Sayeed et A.J., qui est le mentor de Malik.

Malik et A.J. ne partageaient-ils pas tous un atelier dans le même immeuble de l’Est de Los Angeles où Noah, Thomas Houseago, Aaron Curry et Piero Golia faisaient de l’art ?

J’ai montré aux gens jusqu’à ce que le calme vienne pour la première fois dans ce studio. Et puis, A.J., Malik et moi étions un groupe, dans la mesure où les cinéastes peuvent être un groupe. Beaucoup de choses qu’A.J. nous avions l’habitude de penser que nous n’avons pas notre place ici parce que nous ne sommes pas des artistes et que nous sommes dans ce bâtiment avec ces beaux artistes à part entière. Houseago venait de partir et nous étions dans son ancien studio. Tout le monde faisait de la sculpture et de la merde d’art folle et tous les éviers étaient tous bouchés et ici nous avions du matériel de cinéma. La merde doit être sans poussière.

Noah et toi avez créé une archive de photos de famille noires que vous avez trouvées sur les marchés aux puces de Los Angeles. Comment est-ce arrivé?

Je travaillais pour la photographe Melodie McDaniel et je me suis plongée dans l’histoire de la photographie. Mon frère était nouveau à L.A. et cela commençait à devenir un endroit vraiment frais pour que les choses s’épanouissent. Tyler le Créateur et ces enfants de 17 ans faisaient des fêtes. Ce style de vie était très insouciant et je me souviens que Noah et moi étions comme, « Pourquoi n’y a-t-il pas d’images noires insouciantes? »J’ai trouvé ce gars qui vendait de vieilles photos au marché aux puces de West Hollywood et je n’ai acheté que les photos de famille noires. Si vous demandez à quelqu’un ce qu’il économiserait si sa maison brûlait, ils disent presque invariablement qu’ils sauveraient leurs photos de famille. Je regarde donc ici toutes ces choses les plus précieuses qui appartenaient autrefois à des gens, qui n’ont aucune idée d’où ils se trouvent. C’est une métaphore de la vie noire en Amérique et de ce qui arrive à la famille noire dans notre histoire.

( De haut) Images fixes vidéo, Kahlil Joseph, Until the Quiet Comes, 2012, film 35mm transféré en HD.

Comment cette expérience a-t-elle façonné votre sensibilité en tant que fabricant d’images?

Je n’ai trouvé cette imagerie nulle part ailleurs, non? Je pense que j’ai toujours été intéressé par ces moments quotidiens que je ne vois jamais, point final. L’expérience ressentie par opposition à l’expérience vécue.

Vous étiez le réalisateur original de l’album visuel Lemonade de Beyonce, qui vous a valu un Emmy ?et nomination aux Grammy Awards pour la meilleure réalisation. Comment ce projet est-il né ?

Je la connaissais professionnellement depuis 2011. Quand j’ai reçu l’appel qui a conduit à Limonade, elle traversait quelque chose, elle voulait essayer de comprendre quelque chose. Nous avons développé la Limonade au Métro et je lui ai montré sa maîtrise sur un écran de télévision she elle ne l’avait pas encore vue.

En fin de compte, elle a également invité d’autres réalisateurs à travailler sur Lemonade. Ça t’a dérangé ?

Je pense qu’elle devait faire ce qu’elle avait à faire. Tu sais.

Avant de présenter votre coupe de Limonade lors d’une projection privée à Art Basel en Suisse en juin 2016, vous avez fait quelque chose de remarquable pour Arthur Jafa. Vous avez montré que son Amour est le Message, le Message est la Mort avec votre propre film afin que vous puissiez aider à faire passer le mot à son sujet au monde de l’art.

L’amour est le message était incroyable. A.J. a un talent unique. J’ai donc projeté sa pièce sans explication « ceci est à moi, ce n’est pas à moi ». C’était juste: « Voici une nouvelle merde. »Je n’ai pas parlé. J’avais rencontré Gavin Brown à la foire, alors je l’ai invité. Par la suite, Gavin a eu mon numéro et a dit: « Votre pièce était cool. Quelle était la chose que tu as montrée avant ça? » Le reste appartient à l’histoire.

( De haut) Images fixes vidéo, Kahlil Joseph, Fly Paper, 2017, film 35 mm et vidéo numérique mixte. (Toutes les photos sont gracieuseté de l’artiste.)

Vous avez fait deux films en 2017Black Black Mary pour le ?L’exposition « Soul of a Nation » du Tate Museum, et Fly Paper pour votre première exposition solo à New York au Nouveau Musée. Tous deux ont été profondément influencés par le travail de Roy DeCarava, un photographe connu pour ses portraits de musiciens de jazz et de la vie à Harlem, largement négligé dans le monde de l’art à l’époque.

Le Nouveau Musée et la Tate ont appelé en même temps pour demander de nouveaux travaux. Le Nouveau Musée voulait quelque chose qui me reliait à New York. La seule fois où j’ai vécu à New York, c’était pour m’occuper de mon père. Ce fut une expérience si profonde pour moi. Roy DeCarava était une autre connexion new-yorkaise.

Vous êtes une personne profondément privée. Qu’est-ce qui vous a amené à inclure des images de votre famille dans Fly Paper?

J’avais travaillé pour Terrence Malick pendant que mon père était malade. Terry m’avait donné cet appareil pour filmer des choses pour des films qu’il était en train de développer. Je ne filme généralement rien de vraiment personnel, mais j’étais à Sloan Kettering avec mon père à ses rendez-vous et à Harlem et je sortais. Quand je suis retourné à L.A., J’ai donné mes images à Terry et ils ont très peu utilisé alors j’ai gardé tout ce truc de mon père et je l’ai oublié. Je l’ai trouvé sur un disque dur des années plus tard lorsque nous montions du papier Mouche. Les images sont devenues centrales.

Votre distribution comprenait également la légendaire star de Broadway Ben Vereen, le beau-père de Noah.

Fly Paper parlait de cette idée de figure paternelle, et c’est un peu mon père symbolique. Il est aussi de la famille. Il venait d’être opéré du dos et il s’est présenté le même jour et a fait sa séquence de danse avec Storyboard P et ne s’est pas plaint. La pièce portait sur le monde de l’art new-yorkais que mon frère m’avait présenté. Quand je suis allé à New York la première fois, j’étais juste le frère cinéaste qui suivait. Le monde de l’art n’était pas mon monde. Et puis tout d’un coup, ça s’est effondré et maintenant ce sont mes collègues, ce sont mes amis, et c’est à cause de mon frère et de mon père que tout cela se passait. Roy DeCarava était également symbolique. J’étais très loquace sur son influence. L’une des raisons pour lesquelles je me sentais à l’aise d’inclure mes photos de famille dans le film était que deux de mes photos préférées de Roy sont des portraits de famille. Rien de mis en scène sur ces photographies. Ce sont des photos de famille qui sont des œuvres d’art qui vivent à côté du portrait de Miles Davis. Je ne connais aucun autre photographe capable de faire ça. C’est tellement transparent.

( De gauche à droite) Untitled, 2005 de Noah Davis est accroché dans le bureau de Joseph. Le cinéaste dans son espace.

Je pense que c’est similaire à la façon dont vous travaillez en termes de fusion de différents médias les uns dans les autres – actualités, films, vidéos musicalesit tout cela est un morceau.

Dans l’ensemble, il m’est difficile de voir des distinctions entre quoi que ce soit. Pour moi, les médias d’information sont à ma disposition maintenant et nécessitent le plus d’attention. Je me souviens avoir parlé à Kara Walker et elle a dit: « Vous devriez lire ce livre intitulé La Ville des femmes. »Le livre était stupéfiant et je me disais que cela devrait être utilisable. Cela devrait être l’œuvre d’art. Je suis chargé de vous dire ce qui est intéressant. C’était donc un autre élément de la confluence de ce qui faisait BLKNWS. Comment transformez-vous toutes les recherches en quelque chose? C’est une sorte de gumbo. Et je le mets à jour régulièrement.

Vraiment? Tu l’as changé ? Je ne connais aucun autre artiste qui réalise des œuvres vidéo ou numériques et qui continue de modifier une œuvre une fois qu’il l’a terminée.

Oui, ça a changé. Complètement. Chaque site est mis en réseau et contrôlé à distance depuis mon studio. C’est instable. Je pense que l’art, à son meilleur, est instable.

La création du Musée souterrain, la sculpture sociale de votre frère, a ouvert le monde de l’art à vous et à de nombreux autres artistes et créatifs. Comment façonne-t-elle une communauté plus vaste?

Le sous-sol est un espace tellement intensément public et le travail y est surhumant. Je suis essentiellement un gardien au mieux. Donc, ma famille soutient le Métro, le Métro soutient la communauté, la communauté soutient le Métro. Il y a beaucoup de choses géniales en ce moment, c’est sûr. Il est inévitable qu’il y ait une explosion du cinéma noir. Nous avons eu une projection là-bas l’autre soir de Queen et Slim. Lena Waithe l’a écrite et Melina Matsoukas a réalisé. Melina voulait faire la projection au Métro et c’était magnifique. Solange a fait l’introduction, Puff Daddy avait un tas de places réservées, et David Adjaye était là. Il était plein à craquer. Et Lena et Melina se sont déchirées en présentant leur premier long métrage et elles ont dit au public: « Nous l’avons fait pour vous les gars. »Ils parlaient des Noirs en général, mais je sentais aussi que cela signifiait beaucoup symboliquement de le dire à l’Underground.

Voulez-vous faire à la fois des films commerciaux et des films d’art?

Je vois très peu de distinction entre ces catégories. Miles Davis était une grande star de la pop, et je ne pense pas qu’il ait jamais eu à prendre une décision s’il faisait de la musique commerciale ou la musique jazz la plus sérieuse jamais faite. Je pense que le cinéma a beaucoup de potentiel encore inexploité. Je fais des trucs que je veux voir.

Laisser un commentaire

Votre adresse e-mail ne sera pas publiée.